93MillionMilesFromTheSun – Why Do We Fall Apart

 by Mark Anderson

        O 93MillionMilesFromTheSun (tudo junto), de Doncaster, foram responsáveis ​​por alguns dos sons mais efervescentes dos últimos anos. A estreia autointitulada (2008) e Northern Sky (2011) trouxeram-nos aos nossos ouvidos aqui no DKFM, e temos ficado encantados com as suas explorações sonoras desde então.

    Nick Noble, fundador da banda, agora retorna com sua última criação, Why Do We Fall Apart, seu oitavo álbum completo. Como de costume, Noble escreveu todas as faixas e, com o problema de lockdown e distanciamento, ele também gravou todos os instrumentos e fez toda a mixagem. Isso é uma prova do imenso talento desse cara insanamente humilde.

       Minha irmã da DKFM, Deborah Sexton, entrevistou Noble para o The Velvet Hum Radio Show, que foi ao ar na quinta-feira, 22 de abril, com o lançamento oficial na sexta-feira, 23 de abril. Ela mergulhou na produção do álbum e em todas as coisas da 93MillionMilesFromTheSun. Se você perdeu, logo poderá assisti-lo no Mixcloud na página DKFM Select . É o episódio 38.

Nesse ínterim, vamos clicar no play e iniciar esta resenha.

        O álbum começa com a longa e sensual introdução de “Hold My Breath”. Este é o clássico 93MillionMilesFromTheSun. Os vocais de Noble surfam nas ondas da guitarra e do baixo e da bateria constantes e pulsantes. É uma introdução impressionante e mal posso esperar para ouvir o que vem por aí.

      O enigmaticamente intitulado “All Am Now” abre com um riff de guitarra lamentoso levando a música para um espaço diferente da anterior. Noble tem jeito para refrão. Eu amo como o riff da guitarra principal duplica em uma nota sólida como se estivesse vibrando.

     Seguimos para um território mais sombrio com “Everything Undone”. Este poderia facilmente ter sido retirado de um livro de canções de Robert Smith. Isso é bom. Eu adoro The Cure e ouvir aquelas mudanças de acordes e tons de guitarra usados ​​com tanta habilidade me deixou feliz. Noble pega e torna seu. Simplesmente deslumbrante.

      Em contraste, o instrumental “Window Ledge” tem uma sensação de verão, leve e arejada. A linda guitarra glide sobreposta eleva o ouvinte a um estado de euforia. Você quase pode sentir o sol em seu rosto enquanto absorve seus sons texturizados. É uma bem-aventurança.

     Os ecos misteriosos do feedback nos levam ao ritmo de "The View From Woodhead". Esta é uma música para um grande palco. Noble aproveita o som Oxford para este errante. A influência de Ride está presente no estilo vocal e na guitarra base, e ele contrasta isso com uma guitarra solo no estilo Guthrie, mudando o tom da música, tornando-a 100% 93MillionMilesFromTheSun.

        “How I Feel” é a faixa mais vocal do álbum até agora. Levando as coisas em um ritmo mais calmo, Noble soa como um homem desnudando sua alma. A música se move como um navio na névoa, lenta e deliberada. A parte acústica é um toque adorável e inesperado também.

          Em “If You Wonder” eu pego a influência de Boo Radleys até chegarmos ao refrão. Isso tudo é nobre. É viciante e leva a música a outro nível. Ele tem o dom de fazer você pensar que uma música está indo para um lado e depois indo para outro.

         “Now or Yesterday” utiliza a mesma energia que alimenta “The View From Woodhead”. Sua natureza épica é avassaladora e consumidora. Você se derrete em ondas após a bondade sônica vinda dos alto-falantes. Eu me perdi por toda a duração de seis minutos. É escuro, sonhador e devastador.

       Em seguida, somos levados diretamente para o refrão de minha faixa favorita: "I'll Never know". O riff repetido prende você e prende sua atenção enquanto Noble explora seu amor por Stone Roses. Muito parecido como antes, enquanto a influência está lá, a música é toda dele. Quando ele canta “Aonde você foi, nunca saberei”, eu o desafio a não pular e pular como se estivesse no centro de um show de sua cidade. Que música.

     Como se, para lentamente nos trazer de volta à terra, o instrumental “We Are Left Behind” faz sua mágica. Simultaneamente eufórico e gelado, essa faixa é a maneira perfeita de nos conduzir à música final do álbum.

            O apropriadamente chamado “Everything Goes Wrong In The End” leva o processo a uma conclusão muito cedo. Este é o clássico 93MillionMilesFromTheSun, com guitarras pesadas, riffs e bateria pulsantes. Os vocais de Noble realmente cortam a mistura, tornando-a mais pessoal e de alguma forma, como se ele estivesse nos deixando chegar perto, apenas por um momento.

           O tema do amor, perda e desespero é eminente ao longo desta obra; entretanto, e este é um grande porém, como ouvinte, você não se sente desanimado ou perdido. Na verdade, eu diria que é o pólo oposto.

         Noble criou uma coleção coesa de canções reconfortantes e edificantes, tecendo sua magia habilmente à medida que avança. É um daqueles álbuns que quanto mais você ouve, maior a profundidade e os sons ocultos que você descobre. É uma experiência altamente gratificante que você irá saborear nos próximos anos.

Blankenberg - Radiogaze

 By  David Zeidler

"Radiogaze estabeleceu um recorde em termos de quão rapidamente se esgotou, abrindo caminho para a reimpressão. Não consigo enfatizar o quão importante é um disco para adicionar à coleção de alguém. O futuro parece brilhante para esta banda, que deve ser vista como um guia básico para artistas shoegaze em todos os lugares."

        Alguém tem um daqueles gêneros que é, no papel, uma tempestade perfeita de tudo que quer ouvir, mas raramente parece se encaixar da maneira que sonham? Isso é shoegaze para mim. Essa mistura deliciosa de paisagens sonoras pesadas e melodias exuberantes, texturas oníricas e volume esmagador, tem o potencial para ser tão espetacular. Mas muitas vezes sinto que estou perpetuamente perseguindo unicórnios. Uma banda como Deafcult nos abençoou com algumas faixas inspiradoras em seu álbum mais recente, mas muitas vezes o álbum apresenta mudanças gritantes no tom que o deixam mais irregular do que agradavelmente diverso. Bound lançou um ótimo álbum no início deste ano, mas apesar de alguns momentos de brilho, nem sempre é tão atraente quanto claramente é. 

       Nos últimos anos, o único lançamento da Holy Fawn que marcou consistentemente o maior número de faixas foi Radiogaze , o LP de estreia da Blankenberge, de São Petersburgo, Rússia. O único problema era a produção gravemente deficiente no disco - em sua missão de fornecer uma densa parede de som, muitas vezes parecia turvo e cru. Provavelmente foi o álbum recente que eu poderia citar que estava precisando desesperadamente de uma remasterização e, felizmente, para todos nós, Elusive Sound assumiu a bandeira de limpar este lançamento maravilhoso.

       Acompanhando a linda cacofonia de guitarras em várias camadas e o ruído sempre presente da seção rítmica está o ás de Blankenberge, os vocais etéreos e sobrenaturais de Yana Guselnikova. Eles tocam em todas as marcas de shoegaze e dream pop - sussurrantes, mergulhados em reverberação, aparentemente girando dentro e fora das nuvens tempestuosas de ruído, mas onde outros cantores deste gênero muitas vezes ficam aquém, ela tem o poder de emergir com rapidez impressionante e presença angelical. Para um gênero musical que se caracteriza por sua falta de clareza quanto aos vocais, Guselnikova consegue estourar triunfantemente pela parede do som quando o momento dita. 

        As composições transitam sem esforço por meio de influências que vão desde o início exuberante de Joy Division e My Bloody Valentine, ao peso mais recente presente em bandas como Nothing e até The Angelic Process (naqueles momentos em que o barulho atinge o ápice), mas sempre trazendo tudo junto está a voz de Guselnivoka, que ultrapassa em muito o que qualquer uma das bandas citadas acima oferecendo e, podendo, na verdade, o complemento vocal ideal para essa forma musical.

      A remasterização Elusive de Mikhail Kurochkin suaviza o que antes era uma mixagem supercomprimida, enquanto elimina alguns dos graves enlameados e ilumina o som onde era necessário. Ele também reduz a dinâmica para garantir que a instrumentação seja discernível, em vez de uma confusão nebulosa com médios desfocados. A ideia na remasterização era permitir que o fuzz desempenhasse um papel importante como deveria, mas fazer os ajustes certos para dar ao registro o som de uma apresentação ao vivo em um palco expansivo, em vez de um porão apertado. Agora, faixas animadas como "Somewhere Between", "Out Cold" e "We" têm o brilho apropriado de que precisavam desesperadamente, enquanto o material mais pessimista como o encerramento do álbum "Not Enough" e "Hopeless" retém suas qualidades sombrias e esotéricas, enquanto se torna consideravelmente mais audível.

          Já vi ouvintes e colegas citarem uma grande variedade de faixas como suas favoritas do Radiogaze, mas para mim, a peça central do álbum é “Falling Stars”. Eu amo essa música há mais de um ano, mas na semana passada eu fui colocada na posição de ter que me separar de alguém que amo profundamente e por quem me preocupo, e embora eu não diga que tenha um novo significado, como tem sido parte do meu renovado reconhecimento de certas dualidades, tanto em termos de música quanto da própria vida. “Falling Stars” é, em muitos aspectos, o instantâneo mais preciso da estética de Blankenberge. 

         O primeiro empurrão de ruído carrega uma espécie de feiúra proposital, mas escondida atrás dele está uma melodia de guitarra que inicialmente deve ser tocada, mas eventualmente se entrelaça com a penugem em torno dela, formando um vínculo inextricável. Existem muito poucas canções em que consigo pensar que me sinto perpetuamente inclinado a retroceder e reviver sempre que as ouço.The Dear Hunter , “Cygnus” de Cult of Luna e Julie Christmas , “Goliath” de The Mars Volta e “The Pecan Tree” de Deafheaven são faixas que inspiram isso. “Falling Stars” também entrou nessa categoria. Toda a composição funciona em um nível impressionante - a dinâmica suave-alta, a barreira de som esmagadora que tenta envolver os vocais de Guselnikova, a cintilação leva combinando passo a passo com a seção rítmica hipnoticamente cadenciada, mas é aquele refrão que sela tudo juntos. Em vez de recorrer a outra terminologia, vou simplesmente resumir: é perfeita.

         O fato de esse refrão tocar apenas duas vezes é o truque para me trazer de volta uma e outra vez. Se eu fosse deixado por minha própria conta, ele se repetiria mais 10 vezes, mas a restrição para deixar sua marca em ação limitada é um golpe de brilho, pois cria a antecipação do ouvinte e garante sua perpetuidade em rotação regular. É como o canto de uma sereia e uma canção de ninar entrelaçados, o ponto em que todo o potencial de Guselnikova como vocalista se junta e deixa o ouvinte totalmente louco. Eu sou levado pelo menos à beira das lágrimas toda vez que ouço isso, independentemente do meu humor. É o tipo de música que captura em alguns momentos a coexistência de tristeza e esperança, beleza e dor, como não podemos compreender uma sem a outra, como elas nos conduzem em conjunto a novas alturas.

         Outro dia dirigindo ouvindo essa música, meu coração está dilacerado e exausto, as paisagens nevadas ao meu redor pareciam mais nítidas, mas à distância, os picos das montanhas pareciam mais altos do que nunca. Eu sou uma pessoa que não consegue se separar da música; a música me eleva em momentos difíceis, acentua meus momentos de alegria, evoca memórias e me sustenta quando estou me debatendo. Em casos especiais, a música pode me machucar e me curar no mesmo momento. Isso faz com que minhas lágrimas pareçam ter um propósito e me mostra a promessa que ainda está além do horizonte. “Falling Stars” é uma dessas canções. Ele viveu dentro da minha dor de cabeça e da minha felicidade e, portanto, estará para sempre ligado a mim. Poucas bandas têm o poder de criar momentos e conexões como este e Blankenberge merece muito crédito por entrar nesse espaço.

        

A Place To Bury Strangers - Hologram

        

        A Place to Bury Strangers anunciou o Hologram EP, seu primeiro novo álbum em três anos. O EP marca algumas estreias para a banda do Brooklyn. É o primeiro disco feito com a nova formação do APTBS que conta com John Fedowitz (baixo) e Sandra Fedowitz (bateria) da Ceremony East Coast, junto com o bandleader Oliver Ackermann. É um pouco como uma reunião, já que John e Oliver tocaram juntos no grupo Skywave pré-APTBS. Hologram também é o primeiro lançamento do APTBS para o novo selo Dedstrange de Ackermann.

         O primeiro single de Hologram é "End of the Night", que é um som um pouco novo para a banda. Ainda há muitas guitarras barulhentas, mas o ritmo, a batida funky da bateria e a produção são um território desconhecido. “'End Of The Night' é a primeira faixa escrita em colaboração com um dos novos membros da banda", disse Ollie. "John me enviou a faixa de bateria e me desafiou a escrever uma música sobre ela. Isso meio que surgiu como um estranho fluxo de consciência e, sem saber, tornou-se sobre o fim da banda anterior e o início de uma nova. Cada camada da música retirando a pele morta da camada velha e regenerada e a camada de distorção da nova banda. É ótimo trabalhar novamente com John Fedowitz."

       "Eu sinto que nossos estilos de composição dispararam em direções diferentes de nossa banda anterior, Skywave, apenas para voltar com experiências diferentes para criar algo especial novamente."

O shoegaze na perspectiva de Peter Kember

      Cada gênero musical tem duas coisas em comum: não há duas pessoas que concordem sobre seus limites precisos e artistas não gostam de ser rotulados. Com o Shoegaze não é diferente. É um gênero particularmente incomum porque seu nome não descreve um som nem uma conexão com a história da música. Essa música é, acima de tudo, um lugar para explorar os limites externos de textura das guitarras. E emocionalmente, o shoegaze volta seu foco para dentro. O ruído extremo elimina a possibilidade de socialização enquanto a música está tocando, deixando cada membro da plateia sozinho com seus pensamentos. É música para sonhar.

       Para nossos propósitos, escolhemos como ponto de partida para o shoegaze os anos seguintes ao lançamento do marco histórico de Jesus and Mary Chain , Psychocandy , quando as muitas bandas influenciadas por sua abordagem da guitarra integraram o ruído em novos contextos pop. A partir daí, nossa história do shoegaze se expande, estendendo-se além de sua explosão inicial no início dos anos 90 e incorporando contextos e abordagens mais instrumentais ao estilo ao longo do caminho.

       Oferecendo outra perspectiva sobre o que tudo isso significa, Pete Kember, cuja banda inicial Spacemen 3 exerceu uma grande influência nos discos que se seguiram, escreveu...

ONDE VOCÊ ESTAVA EM '91? 

 

       Se você tivesse me dito em 1991 que, 25 anos depois, eu estaria escrevendo sobr shoegaze, provavelmente teria dito que isso nunca aconteceria. Mas as coisas mudam; mesmo em 1993, eu estava corrigindo meus pontos de vista. Eu fiz um show naquele ano em LA no Viper Room de Johnny Depp. A banda de suporte, para meu completo espanto, era uma banda shoegaze - uma banda shoegaze mexicana. A ideia de que essa música pudesse atravessar culturas com faixas tão amplas nunca havia me ocorrido antes, mas agora eu podia ver que esse gênero poderia ter sobrevida, entre aquele olhar e aqueles sapatos.

        Voltando ainda mais, minha memória do hacker britânico que primeiro cunhou o termo “shoegaze” era que ele estava sendo depreciativo. Foi uma crítica, sem dúvida. E quando o apelido de shoegazer não parecia irritar o suficiente, os mesmos caçoadores começaram a se referir a essas bandas como “a cena que se festeja”, aparentemente baseados no fato de que essas bandas curtiam a música umas das outras. O engraçado é que, como a maioria dessas invenções de tag de gênero da mídia, como “punk” ou “grunge”, o termo “shoegaze” pegou - e, aparentemente, pegou forte.

          Quem colocou a sola no shoegaze? As bandas de shoegaze buscavam apenas inspiração em sua camurça? Eu acho que não. A longa franja e a febre dos pedais da época tornavam quase impossível localizar qualquer mira para baixo e, embora não esteja dizendo que essas bandas não tinham os calçados mais modernos, acho que o que estava por baixo delas era a chave: o pedais. Tem muito a ver com os pedais. Efeitos que poderiam pegar a guitarra mais dócil e fazê-la rugir como um porteiro com esteróides , ou voar como aviões a jato em uma exibição de acrobacias. Criando sons que você realmente pode sentir e cheirar 

         Então, enquanto olhamos para trás, vamos discutir as raízes. O Spacemen 3 às vezes são chamados de “padrinhos do shoegaze”, e isso pode ser verdade em uma pequena parte; Posso não ser o melhor juiz disso. Mas, pela minha moeda, era My Bloody Valentine que continha o DNA alfa.

         O Spacemen 3 foram convidados a apoiar os Pixies em sua primeira grande turnê no Reino Unido no outono de 1988. Não queríamos. A MBV, no entanto, sim, e eu fui ver seu show e oferecer solidariedade em um dos buracos negros locais, o estranhamente chamado Roadmenders Centre, em Northampton. Claro, eu já os tinha visto em shows que tocamos juntos, mas algo mudou. Todo o set list foi épico, sem falhas, mas uma música se destacou em particular: uma viagem de guitarra distorcida e cambaleante que parecia englobar a quintessência da psicodelia de ondas pulsantes. Construindo loops elípticos de vocais, baixo, bateria e guitarra.

         Aparecendo em crescente e profanos, então, devastadoramente arrebatando o ouvinte. Evapora em uma névoa de calor sedoso para se rematerializar novamente fora da efervescência, mais forte e mais fascinante a cada vez. Essa música era “You Made Me Realize”. E assim nasceu um gênero.

       Quais são os outros acordes? A cultura no início dos anos 90 entrou no tipo de overdrive elástico que tende a fazer uma vez a cada duas décadas. Períodos especiais de energias e interesses superestimulados e o papel da recém-emergente droga ecstasy não devem ser subestimados.

       Mas o tempo é percepção, e a percepção era a chave para esses tempos e para essa música. Na verdade, o que gerou o shoegaze não importa uma fração tanto quanto os registros feitos naquele período. Algumas dessas bandas tiveram um sucesso considerável - Mercury Rev s, My Bloody Valentines e Brian Jonestown s - enquanto outras desapareceram em um flash cósmico, mas deixaram gravações estelares que serão apreciadas por eras. Bandas que fizeram discos que as pessoas nunca pararam de puxar das prateleiras, algumas delas nesta lista.

Acho que é justo dizer que o início dos anos 90 ficou fluorescente como o néon. E às vezes,  o shoegaze também.

Pete Kember é músico, produtor e membro fundador do Spacemen 3.

Slowdive lança seu primeiro álbum em 22 anos e o eterno retorno do shoegaze

 

     Até recentemente, parecia improvável que algum dia haveria um quarto disco do Slowdive. Apenas uma semana após o lançamento do terceiro álbum Pygmalion, em fevereiro de 1995, o quinteto britânico foi retirado da Creation Records e efetivamente se separou. A saída drástica de Pigmalion do pop de sonho havia causado a dissolução de várias maneiras. O baterista Simon Scott deixou o Slowdive no ano anterior, sentindo-se desiludido com as baterias eletrônicas, computadores e loops que o guitarrista e vocalista Neil Halstead usou para fazer o álbum, em grande parte por conta própria. Mas essa direção também atraiu zombarias da imprensa musical britânica, que naquele momento parecia mais contente em dançar para o Britpop do que balançar para shoegaze. “Ainda mais suicídio profissional”, foi como o NME descreveu Pigmalion .

     O “ainda mais” é crucial aqui. Por mais amados que Slowdive se tornaram entre uma geração mais jovem de ouvintes subterrâneos, seus dois primeiros álbuns - Just for a Day de 1991 e Souvlaki de 1993 - não os tornaram queridinhos da crítica como os colegas de selo da Creation, My Bloody Valentine . Mas então o shoegaze e o dream-pop experimentaram um renascimento inesperado no final dos anos 2000, quando bandas como Beach House e M83 começaram e o MBV finalmente voltou à estrada. Com isso, veio uma nova apreciação pelo Slowdive. Em 2014, a demanda por sua reunião era alta o suficiente para suportar uma turnê mundial de cinco meses e uma série de apresentações em festivais - e no dia 5 de maio, um novo álbum via Dead Oceans. Embora já tenham se passado mais de duas décadas desde que o grupo se envolveu com os pedais de delay no estúdio, as guitarras rodopiantes, harmonias confusas e refrões crescentes de Slowdive  fazem com que pareça a irmã há muito perdida de Souvlaki .

     Pitchfork falou com Halstead sobre por que Slowdive decidiu voltar, o que cimentou o legado do shoegaze e como os discos ainda deveriam exigir um ritual de escuta.

Você ficou surpreso com a recepção calorosa aos seus shows de reunião?

Neil Halstead: Fomos pegos completamente desprevenidos! As pessoas nos disseram: “Vocês deveriam voltar, vocês ficariam surpresos”. E nós estávamos. Também ficamos surpresos ao ver que o público era uma geração mais jovem, o que foi brilhante. Foi encorajador ver que os discos ressoaram não apenas entre as pessoas de nossa idade.

Por que você acha que o shoegaze ficou por aí?

Neil Halstead: Em parte porque as bandas nunca foram grandes bandas - elas sempre foram essas pequenas bandas fazendo música underground e então veio o Britpop. Na Inglaterra, isso abriu o mundo indie para o mundo mainstream. Mas o shoegaze nunca se tornou parte da grande indústria da música. Então, talvez estivesse maduro para ser redescoberto, da mesma forma que quando aquelas coleções de rock de garagem e psicológico - reeditadas nos anos 80, elas se tornaram realmente influentes. Você nunca ouviu seus pais tocando aqueles discos - eles nunca foram música mainstream. Mas eles eram bandas brilhantes que ganharam uma segunda mordida depois de serem relançados. Talvez a internet tenha tido um impacto muito bom no shoegaze porque agora dá aos jovens a chance de conferir.

Slowdive - Souvlaki 1993

     O segundo álbum do Slowdive foi marcado por mais do que sua cota de infortúnios, tanto na criação quanto na recepção. A banda abandonou seu lote original de sessões para começar de novo, e o álbum estreou em meados de 1993, o exato momento da firme reação da imprensa britânica contra qualquer coisa shoegaze. Além disso, houve um tratamento ruim por parte da gravadora americana do grupo, incluindo um lançamento muito atrasado. Mas à distância, Souvlaki  pode ser visto e ouvido claramente pelo que é: o raro esforço do segundo disco que não apenas mantém a qualidade de uma grande estreia, mas também evita simplesmente repetir seu som. Os vocais evanescentes de Just for a Day  dão lugar a uma nova clareza em Neil Halstead e Rachel Goswell. Da mesma forma, sua impressionante mistura de feedback e textura serve para arranjos mais diretos em músicas como "40 Days" e a majestosa "When the Sun Hits". “Souvlaki Space Station” encontra uma maneira de trazer o barulho e wooze do dub, enquanto “Dagger” conclui o álbum em uma intensidade silenciosa como Lee Hazlewood . Tudo isso, mais não uma, mas duas colaborações com Brian Eno . –Ned Raggett

A place to bury Strangers - Exploding Head

 

     Mais ou menos na metade de Exploding Head você realmente começa a esquecer por que A Place to Bury Strangers parecia tão emocionante em sua estreia autointitulada há dois anos.  O disco começa de onde a estreia parou, cheia de peças inspiradas de ruído de guitarra industrial indutor de paranóia e texturas pop moribundas - muitas vezes parece uma tentativa equivocada de conectar os pontos para o ouvinte. Na estreia, muito da diversão veio de peneirar toda aquela dissonância retrátil e sair com punhados de gosma melódica. Aqui, depois de eliminar algumas das texturas mais duras em favor de melodias mais limpas, e bem posicionadas, a música está repleta de canções palatáveis ​​que assustam em vez de outras desconfortáveis ​​que enervam seriamente. Em outras palavras, se ainda estamos classificando a banda como revivalistas de Jesus e Mary Chain, sendo muito cedo em sua carreira para que seja o Automatic deles.

     Head é com certeza um amadurecimento, desde a composição até a mágica movida a pedal de efeitos pela qual o vocalista Oliver Ackermann é tão justamente elogiado (Ackermann é famoso por criar pedais personalizados por meio de sua companhia Death By Audio para artistas como TV On the Radio e U2 , mas aparentemente salvou alguns dos truques mais legais para sua própria banda). Então, talvez possa parecer idiota criticar este álbum por dar a mínima, mas quando aquela intensidade selvagem e branca só aparece com frequência, as influências nada sutis que ancoram o Exploding Head (JAMC, My Bloody Valentine, Echo & the Bunnymen) costumam renderizar as músicas com um tom plano. Por exemplo, na primeira audição, coisas mais antigas como o irreprimivelmente empolgante "To Fix the Gash in Your Head" soaram como pouco mais como um triturador de lixo ao som de "Upside Down", e ainda assim conseguiram ser assustadoramente impressionante. Onde aqui, o novo single "In Your Heart" não oferece muito mais do que um fac-símile muito impressionante de algumas das coisas mais sombrias de Ian McCullouch and Cia, bem moldadas e completamente esquecíveis.

     O material técnico no álbum é bastante sólido, a banda sempre mantendo uma flexibilidade muito apreciada, mesmo em faixas como "Lost Feeling". Então, quando grandes destaques surgem como "Ego Death" (repleto de guitarras violentas e desprezo de adoração de Nick Cave) e "Everything Always Goes Wrong" (uma jam sock-hop maldosa e temperamental que contém alguns dos maiores e melhores pedais do álbum), enquanto "Head" parece um acompanhamento perfeito, mais organizado, mas ainda assim tão feroz. No entanto, são coisas alimentadas pelo gênero, como o noodly pós-punk de "Exploding Head" ou os acordes poderosos e racionados de "It Is Nothing", que parecem representar melhor a rapidez com que essa ferocidade pode se dissolver quando as estruturas musicais são estabelecidas. simples (embora ainda meio descolado). Logo se torna óbvio o quão importante era aquela parede de ruído de pressão coronária, e quão dolorosamente recompensador foi quebrá-la. Ao final de Exploding Head , você também sente que pode.

RIde - Nowhere

 

      Ride mal tinha saído da adolescência quando, no verão de 1990, eles terminaram de gravar seu álbum de estreia. Consequentemente, Nowhere  reflete muito do ambiente indie que reverberou em torno deles, incluindo os colapsos distorcidos do Sonic Youth , a psicodelia de Stone Roses e as paisagens noturnas de The Cure 's Disintegration - para não mencionar uma grande dose de inspiração dos companheiros de selo da Creation Records, My Bloody Valentine.

        Mas, ao contrário da MBV, que estava no meio de um novo sequenciamento do DNA do indie rock centrado na guitarra, Nowhere abriga uma profunda reverência do rock clássico, de Paul McCartney- linha de baixo suave de "Seagull" até "When the Levee Breaks" - como a batida de "Dreams Burn Down". Misture em "Vapour Trail", o hino melancólico do disco com violino e violoncelo ao romantismo pós-adolescente, e Nowhere se posiciona elegantemente entre o tradicionalismo pop, composições suavemente devastadoras, harmonias de coral e as overdoses sônicas mais angustiantes no shoegaze. –Jason Heller

Ride's Nowhere aos 25 e a evolução do Shoegaze

      "Tentamos casar o punk rock com a psicodelia, é isso que estávamos realmente tentando fazer", disse Alan McGee, co-fundador da Creation Records, no documentário Beautiful Noise, de 2014 . "Não é mais complicado do que isso, para ser honesto."

Talvez a névoa aural do shoegaze dos anos 80 e 90 obscureça o que é, pela estimativa de McGee, um cenário simples tipo 1 + 1 = 2 de fusão de gênero. Mas deixa de fora características diferenciadas (a sensualidade agitada de My Bloody Valentine , contos de fadas fluidos da banda Cocteau Twins e muito mais). 

        Nos últimos anos, um número crescente de legados shoegaze teve essas nuances reavaliadas à luz de reuniões, turnês, relançamentos e discos de retorno ( mbv e Slowdive, apenas citando alguns). Tivemos também o Swervedriver com um primeiro álbum novo em 17 anos , além de Jesus and Mary Chain com turnê mundial do aniversário de Psychocandy. 

       Mas a maior parte de 2015 pertenceu ao Ride . O quarteto shoegaze nascido em Oxford está lotado de datas em todo o mundo desde fevereiro, culminando com datas na Ásia, e seu disco de estreia, Nowhere, recebendo uma grande reedição no próximo mês, marcando seu 25º aniversário. Mas são as datas nos Estados Unidos - pontuadas por sets de festivais no Coachella em abril e no Fun Fun Fun Fest do próximo mês - que significaram mais para a banda.

       "Sempre achei - nos últimos 20 anos, que havia passado rapidamente - que ninguém ligava para Ride", brinca Andy Bell, que fundou a banda com Mark Gardener em 1988. " Eu definitivamente dou crédito à América e aos fãs americanos ... por darem à música sua própria vida. Esta reunião, eu acho, foi impulsionada pelo carinho da América. "

      Bell comparou isso a como os fãs na Inglaterra quando  descobriram o Krautrock alemão dos anos 70 nos anos 90, fazendo referência ao crítico britânico Julian Cope e seu livro Krautrocksampler de 1995 ."Às vezes, é preciso um país diferente para apreciar o que outro país fez", disse ele. "O que é um pensamento doce, realmente. 

       "Sempre que eu lia qualquer tipo de retrospectiva na imprensa britânica sobre aquela era [shoegaze], era sempre algo bastante desdenhoso sobre isso", disse Meldal-Johnsen. Richey Edwards, da Manic Street Preachers, não se incomodou em esperar. "Nós sempre odiamos Slowdive mais do que odeio Adolf Hitler," disse a NME em 1991. " Passei muito tempo no Reino Unido e nos Estados Unidos nos últimos 25 anos e vejo isso", disse Meldal-Johnsen. "E é uma chatice ... Ride, Slowdive, Chapterhouse, Lush, todos eles parecem ter  mais respeito nos EUA por seus méritos ao invés de estarem na moda. É uma questão de perspectiva."

        A mudança ocidental de cultura, tempo e lugar para uma nova geração aprimorou o gênero. Também ressoou além de apenas uma troca transatlântica, com a influência do shoegaze sendo amplamente difundida no Japão e ao redor do mundo. Nathaniel Cramp, da Sonic Cathedral Records, cita a trilha sonora de Lost in Translation como a introdução de uma nova geração mundial de Kevin Shields, My Bloody Valentine e "Just Like Honey", O exemplo mais recente de "globetrotting" do Shoegaze é o lançamento de Revolution - The Shoegaze Revival pelo selo indonésio Gerpfast Kolektif e pelo selo galês / canadense Raphalite Records, uma compilação de shows de shoegaze de 30 bandas em 16 países lançada este ano.

        Como o som se dissipando em um grande espaço, o shoegaze mudou ao longo dos últimos 25 anos. Como todo gênero, ele foi definido cada vez mais pela evolução das tecnologias. Ainda mais, dada a exploração progressiva do shoegaze, até mesmo a dependência, de efeitos ao vivo e de estúdio. Agora, o digital e o analógico são combinados conscientemente - ou tratados de forma totalmente agnóstica. E o Ride de Bell, entre a velha guarda, está se adaptando. Ele lembrou que todo o material inicial da banda foi gravado de forma análoga a uma fita de duas polegadas, com Nowhere escrito e gravado em apenas oito meses. Agora ele está no Twitter e Instagram, gravando sessões de ensaio para o novo material da banda digitalmente.

      "Ontem à noite em Liverpool foi a primeira ou talvez a segunda vez em que conseguimos fazer uma pequena jam que pode ser algo novo", disse Bell durante a turnê. "E, claro, eu estava com meu telefone pronto para gravá-lo. Portanto, há dois minutos de novas músicas do Ride no meu telefone. As pessoas dizem que o digital é apenas plano e unidimensional, mas ouça Run the Jewels 2 e me diga isso", disse Curtis, elogiando a produção que remonta ao registro histórico do Cannibal Ox de 2001, The Cold Vein . "Quando o digital soa tão maluco e é processado de uma maneira tão legal, ele meio que decide a questão de analógico versus digital."

       Nos últimos 25 anos, essa polinização cruzada natural se consolidou em uma mudança de paradigma para o subgênero shoegaze. Não é como se "shoegaze" não fosse um termo desdenhoso e desatualizado - como Meldal-Johnsen apontou - sem mencionar um nome impróprio propagado pela imprensa musical do Reino Unido desde o início.

       "Além de ser bastante tímido e estranho, tínhamos apenas pedalboards, então passaríamos muito do nosso tempo [no palco] olhando para baixo, porque você meio que dança sapateado no set um pouco", Neil Halstead de Slowdive disse no documentário Pitchfork sobre Souvlaki . "Esse rótulo então pegou. Prefiro pensar nisso como música de guitarra progressiva." Ou, no caso de atos mais recentes como Active Child de Pat Grossi , música de harpa progressiva. Grossi usa sua harpa menos como solo e mais para enfeitar sua música com textura e agudos de alta frequência semelhantes aos Cocteau Twins. 

         Ele é uma variação no espectro diversificado de bandas rotuladas como "Nu gaze", shoegaze adjacente em som e abordagem, de sintetizadores ( M83 ) a guitarras heroicas ( Deerhunter) e além em seus novos passos criativos. É shoegaze para a era digital, laptop e home studio. O que ratos de estúdio dos anos 90 como Shields e Robin Guthrie fizeram pelo analógico centrado na guitarra dos anos 60 e 70, uma nova geração está aumentando com o digital centrado nos sintetizadores dos anos 80 e 90, empunhando os dois, o quê Meldal-Johnsen chamou de "preciosidade", alegando que a primeira onda do shoegaze de "pitoresca", até mesmo "conservadora" em comparação com a segunda.

      “A última iteração é muito mais baseada na eletrônica”, disse ele. “Antigamente, acho que todas essas bandas pareciam bandas de rock. Havia muito orgulho de que a guitarra era uma arma para criar qualquer coisa no espectro [sônico] ... E agora não é realmente o ponto. Agora é tipo, 'Estamos apenas fazendo música e vamos usar todas as ferramentas de que precisamos.' Não é inerentemente música de guitarra como era. É apenas música. "

        Vinte e cinco anos depois de Nowhere , The Scene That Celebrates Itself se tornou a cena que celebra mais, além da simples equação de Alan McGee de punk rock mais psicodelia ou a dicotomia digital-analógica; aquele que o mundo inteiro celebra. Os gêneros musicais avançam em seu próprio tempo, mesmo - talvez especialmente - se estiver olhando para seus próprios sapatos.

The Verve - A Storm in Heaven

 

       O frontman do Verve , Richard Ashcroft, nunca se encaixou muito bem no molde do shoegaze. Ele era muito impetuoso e magnetizante. Mesmo quando sua banda começou no início dos anos 90, anos antes dos Rolling Stones  sacanearem “ Bitter Sweet Symphony ” e os tornasse uma banda internacional, ele estava pavoneando como um Mick Jagger cósmico no palco, descalço e estridente. Mas, naquela época, suas filosofias psicodélicas foram perfeitamente contrabalançadas pelo impressionismo das seis cordas de Nick McCabe; McCabe deu às ambições de Ashcroft uma alma a ser pesquisada. O trabalho do guitarrista no álbum de estreia perfeitamente intitulado do Verve, A Storm in Heaven, oferece cor e clareza aos grandes pronunciamentos de Ashcroft, seu tom - suave como uma borboleta em um minuto, gritando como o mar no próximo - fornecendo o tipo de nuance que seu cantor nunca poderia retirar. 

        Produzido pelo veterinário britânico John Leckie, cujos créditos incluem engenharia para o Pink Floyd nos anos 70 e direcionando Radiohead para The Bends , o álbum vive naquele estado liminar entre jam e música, espontaneidade e estrutura. Não é calculista, mas também nunca se transforma em pura indulgência. Respira beleza. The Verve iria fazer hinos para milhões, mas eles nunca mais soaram assim. –Ryan Dombal

Swervedriver - Rise

     Loveless não foi o único grande álbum shoegaze que a Creation Records lançou no outono de 1991. Mas onde My Bloody Valentine dissolveu sua rocha em texturas aquáticas, Swervedriver solidificou o miasma em músculo. Em seu álbum de estreia, Raise, o quarteto de Oxford remodelou o shoegaze em música moderna, aproveitando seu impulso deslizante, ("Son of a Mustang Ford", "Deep Seat") em um punk psicológico acelerado e voltado para o horizonte. 

       A aceleração do guarda-corpo de faixas como "Sci-Flyer" e "Pile-Up" é respondida pelo balanço do teto solar aberto de "Rave Down" e "Sandblasted", canções que servem como tecido conectivo entre o shoegaze do Reino Unido e o rock americano pós grunge. Afinal, Swervedriver pode ter sido um dos muitos na lista do Creation do início dos anos 90, mas eles foram os únicos que conseguiam se manter em turnê com o Soundgarden. –Stuart Berman

Catherine Wheel - Ferment

 

       Catherine Wheel era a ovelha negra da família shoegaze. Eles vieram de Great Yarmouth, uma cidade deprimida e deprimente na costa inglesa com pouca herança musical; seu vocalista, Rob Dickinson, era primo de Bruce Dickinson do Iron Maiden ; e seus quatro membros pareciam um pouco mais velhos do que seus colegas, com o baterista Neil Sims tendo trabalhado em uma plataforma de petróleo antes da banda decolar. Musicalmente, também, Catherine Wheel era diferente: enquanto eles abraçavam as guitarras distorcidas e agitadas com vocais murmurados do shoegaze, seu som se aproximava do rock às vezes, sem nada do experimentalismo desviante de My Bloody Valentine ou Slowdive. 

        O que Catherine Wheel tinha em abundância eram canções brilhantes e arrepiantes que empilharam refrões sobre linhas de guitarra irritantes e letras que falavam para uma geração de adolescentes desajeitados ("I Want to Touch You", "Ela é minha amiga", "Shallow" ) Boa metade das canções de Ferment , sua estreia, são clássicos duradouros do shoegaze, enquanto "Black Metallic", em sua glória completa de sete minutos, afirma veementemente ser a "Stairway to Heaven"do gênero. –Ben Cardew

A Place To Bury Strangers - End Of The Night (Official Video)

 

A Plave to Bury Strangers - Worship

      Há uma riqueza textural e profundidade emocional no terceiro álbum do trio de rock barulhento de Nova York, elementos que nem sempre eram aparentes em suas gravações anteriores. As melhores músicas parecem trabalho de outra banda. Não há como negar que Oliver Ackermann conhece bem um pedal de efeitos; praticamente todas as apresentações se tornam uma propaganda de fato para sua empresa de pedais de guitarra, Death by Audio. Mas três álbuns depois, Ackermann ainda está aprendendo seu caminho em torno de uma canção pop. Quando Exploding Head encontrou A Place to Bury Strangers, tornando-se um pouco menos tímido em deixar suas melodias atravessarem a estática, Onwards to the Wall viu Ackermann revertendo para uma distância emocional de rosto severo, óculos de sol dentro de casa e tomando refúgio rajadas de luz estroboscópica. O aparente retrocesso novamente levanta a questão de se há algo mais para a banda do que apenas o feedback mais primorosamente esculpido que o dinheiro pode comprar.

      O título do terceiro álbum, Worship , é especialmente rico vindo de uma banda que nunca tentou mascarar sua reverência pela sagrada trindade do rock alternativo Joy Division, Jesus and Mary Chain e My Bloody Valentine; As músicas de A Place to Bury Strangers são realmente diferenciadas apenas por quais dessas pedras de toque eles optam por apoiar-se mais em um determinado momento. Mas enquanto as influências mencionadas estão todas presentes e explicadas aqui, há uma riqueza textural e profundidade emocional em Worship que nem sempre foi aparente nos álbuns anteriores da banda.

      Para um cara que ganha a vida vendendo barulho para outros guitarristas, Ackermann está racionando seu suprimento em quantidades mais controladas desta vez. A Place to Bury Strangers dá o passo corajoso de permitir que a distorção se dissipe, a visão livre nem sempre é lisonjeira: as letras de Ackermann podem soar como se tivessem sido arrancadas de um caderno entediado de um colegial revestido de fantasia cyber-punk de "Mind Control" e o miserablismo de "Why I Can't Cry Anymore" beirando a paródia gótica.

      Ao menos, Worship provará ser um álbum transitório, porque suas melhores músicas parecem o trabalho de outra banda. "Dissolved" começa como uma balada atmosférica e brilhante que repentinamente muda para uma batida rápida e inicial tipo o Cure, com a escolha de Ackermann para uma melodia belamente melancólica não tratada em sua guitarra, enquanto o lamento desamparado e pós-rompimento "And I'm Up" segue essa pista para mostrar a parte lírica mais prolixa, franca e comovente de Ackermann até hoje. Por alguns minutos, A Place to Bury Strangers parece menos uma escolha óbvia para abrir um tour pela arena do Nine Inch Nails, e mais como uma banda espiritualmente em sintonia com o indie pop íntimo de Wild Nothing e similares.

Static Daydream

 

     Já teve aquele sonho em que você está submerso em uma atmosfera densa e voraz assombrada pelas sombras predatórias e invasivas, um pouco como o clima nos jogos de Silent Hill? Ouvir o novo álbum do Static Daydream é como estar imerso nisso, exceto tudo sobre ele, desde sua respiração crua e discórdia melódica, é seriamente revigorante e bem-vindo. Carregando faixas estimulantes do ruído e do rock psicológico, igualmente cultivadas no shoegaze e na beleza pop dos sonhos, o álbum de estreia da dupla americana de Paul Baker (membro fundador da Skywave and Ceremony) e namorada / parceira musical Jamie Casey é uma tempestade de som e emoção para simplesmente se aquecer.

       Inspirando-se em grupos femininos dos anos 60, juntamente com o noise-pop britânico dos anos 80 e 90, a dupla começou a gravar The Only One EP, seu primeiro lançamento, em 2012. Ganhando forte aclamação da crítica após o lançamento em 2014 pela Moon Sounds Records, lançando as sementes de grande expectativa para o álbum completo de estreia da banda. Lançado pela Saint Marie Records e Moon Sounds Records, esse encontro está aqui, onze faixas acendendo os ouvidos desde o início com som melancólico infestado de reverberação combinado em potência por proezas vocais e líricas dentro dos sentidos e desorientando rugidos alimentados pela discórdia. Dentro dessa "tempestade", uma beleza melódica muito arrebatadora e uma elegância criativa brilham. É uma fusão que tem um senso de familiaridade, mas desafia qualquer determinação real do porquê, apesar de quaisquer referências a outras que possam ser sugeridas, para uma oferta única e virulentamente contagiosa que apenas cresce e se fortalece na persuasão com uma única escutada.

       O álbum abre com a imediatamente estimulante More Than Today, uma canção que começa com uma chama crua de guitarra sugerindo os tons puros do punk, antes de florescer uma brisa quente e cáustica de pop barulhento, mas suave com tons de House Of love. Os vocais duplos de Baker e Casey se entrelaçam perfeitamente com o clima difuso de teclados e as contínuas guitarras punk. É um começo emocionante combinado com o ar um pouco mais áspero de Nowhere To Hide, uma música que funde o charme de My Bloody Valentine com o ambiente sônico mais áspero e assustador de Ceremony. A música fica mais sombria e com mais energia raivosa a cada minuto que passa, seu corpo já tenazmente ardente apenas eriçado com intensidade e turbulência por seu final emocionante.

      O triunfo final ajuda a sugerir que o álbum de Static Daydream é indiscutivelmente mais forte na segunda metade do que na primeira, mas a diferença na invenção e certamente no prazer é marginal a qualquer momento. O sentimento que sai do selo da banda, Saint Marie Records, é que eles estão bastante animados com este lançamento e é justo dizer que eles têm muitos motivos para estar. Se a ideia de sons difusos, na verdade sedutores e obscenos, com imaginação vibrante excitam, então Static Daydream é uma oferta que você precisa conferir.

Static Daydream - Cracked Inside

     Static Daydream é o projeto do membro fundador da Skywave e da Ceremony, Paul Baker, duas bandas primas de shoegaze. O Static Daydream segue o mesmo caminho, criando músicas pop barulhentas envoltas em reverberação e distorção. Enquanto a maioria dos trabalhos shoegaze modernos se inspiram em My Bloody Valentine ou Ride, Static Daydream segue uma rota mais gaélica. As guitarras efervescentes e a bateria dos anos 60 de The Jesus and Mary Chain foram obviamente uma grande influência para Paul, assim como o som de reverberação de Cocteau Twins. "Eu estava ansioso para descobrir se isso continuaria em Cracked Inside."

     A faixa de abertura 'Seconds' vem disparando como se estivéssemos em meados dos anos oitenta e 'Just Like Honey' está explodindo no rádio. Esta seria uma música incrível de ver tocada ao vivo. Sua energia e melodia o transportam como eletricidade nos cabos aereos.

     Se eles estavam terrivelmente atrasados ​​para a explosão inicial de bandas de ruído carregadas de efeitos no final dos anos 80 e início dos anos 90, ou ridiculamente cedo para a segunda onda do chamado shoegaze, o que é certo é que Skywave era uma banda fora do tempo e equilibrada com as tendências predominantes.

      De 1995 a 2003, o trio de Fredericksburg, Virginia, consistindo de Oliver Ackermann, Paul Baker e John Fedowitz, lançou quatro ótimos álbuns que, embora devessem muito a The Jesus & Mary Chain e Sonic Youth, certamente demonstraram uma capacidade inata de nocautear genuínas joias pop de ruído melódico de três minutos. Na época, no entanto, o mundo não parecia se importar muito, com o britpop e o grunge dominando a cena do rock alternativo em ambos os lados do Atlântico durante grande parte da existência de Skywave. Só recentemente tem havido um nível de reconhecimento, à medida que o despertar do shoegaze continua, e o excelente Blog That Celebrates Itself até encomendou um tributo de 19 faixas no início deste ano, intitulado Got That Feeling, que apresenta versões cover de faixas Skywave de artistas contemporâneos de mente e som semelhantes.

      Parece estranho que o trabalho do Skywave não tenha recebido maior atenção, principalmente quando você considera o sucesso e o renome das bandas que eles geraram. Ackermann mudou-se para Nova York e se tornou sinônimo da arte de fazer barulho de guitarra, tanto por meio de sua banda, A Place To Bury Strangers, quanto por meio de seu negócio de pedais de efeitos, Death By Audio. Fedowitz e Baker ficaram na Virgínia e formaram Ceremony (não confundir com a banda de hardcore de San Francisco de mesmo nome), lançando três álbuns e inúmeros EPs em duas partes com bateria eletrônica, antes de em 2012 Baker formar o Static Daydream com namorada Jamie Casey, com a mesma dinâmica.

      Seu álbum de estreia autointitulado chegou no final de agosto, no selo pop shoegaze / sonho da Saint Marie Records, e embora seja justo dizer que, assim como o trabalho de A Place To Bury Strangers e Ceremony, eles acabam não se afastando muito do modelo Skywave original de pop ruidoso e propositalmente lo-fi. O Static Daydream exibe uma estrutura de composição mais convencional do que qualquer uma das anteriores, com vocais gotejando em melancolia, e o resultado final é divertido: um eufórico, turbo pop indie brilhante carregado de reverberação e distorção furiosa.

       'More Than Today' abre o álbum e caracteriza muito do que se segue, como uma canção pós-punk / pop de 3 minutos arquetípica e eminentemente humilde, embora sufocada por uma guitarra cortante. Os tons vocais contrastantes de Baker e Casey se entrelaçam perfeitamente aqui, mas infelizmente não são encontrados em nenhum outro lugar do álbum, com a entrega lânguida e perfeitamente aceitável de Baker assumindo a liderança.

      'Nowhere To Hide' leva a lugares mais sombrios e intensos, e é a faixa que tem mais em comum com a produção recente de Ackermann, enquanto 'Just Stay' e 'When She Falls' diminuem o ritmo apenas o suficiente para permitir que as melodias brilhem através do barulho cacofônico.

       Em outros lugares, a natureza rápida das canções, e seu estilo semelhante, pode fazer algo parecido com uma audição análoga às vezes, com algumas faixas se mesclando umas com as outras. Felizmente, há excelência suficiente embebida em reverberação entre a coleção de onze faixas para reter nosso interesse e restaurar a cor quando necessário, com 'Blue Tambourine Girl', 'Until You're Mine' e a maravilhosa 'When I Turn Around You Gone 'os principais casos em questão.

     Embora a falta de variedade seja uma fraqueza percebida do disco, Static Daydream deve ser totalmente respeitado pelo que eles nos deram aqui - uma viagem sensata, de cabeça baixa, empolgante pelo lado mais sujo e punk do shoegaze. O álbum não ganhará prêmios de originalidade, mas esta é uma banda que se mantém fiel às suas raízes, e o resultado soa completamente convincente.

Ceremony

      Entre os melhores herdeiros e intérpretes do som característico de My Bloody Valentine e Jesus & Mary Chain estavam, entre 1995 e 2003,  o  Skywave da Virgínia do Norte, um barulhento power trio composto por  Oliver Ackermann , Paul Baker e John Fedowitz da cidade universitária de Fredericksburg,  que lançou alguns álbuns, na época, subestimados, mas essenciais: “Echodrone” (1999) e “Synthstatic” (2004). 

     Após o fim da Skywave ,  Oliver Ackermann  mudou-se para Nova York e fundou  A Place To Bury Strangers , enquanto  Paul Baker e John Fedowitz  começaram a aventura do Cerimony com outro par de álbuns excelentes como “Disappear” (2007) e “Rocket Fire” (2010 ), vários singles e um som inicialmente mais eletrônico com algumas influências new wave, mas ainda barulhento e bem empolgante.

     Desde o último álbum “Distance”,  no final de 2013, Ceremony é principalmente o apelido solo de  John Fedowitz, ele mudou recentemente seu nome para  CEREMONY EAST COAST e anunciou o próximo quinto álbum intitulado  “East Coast” e deve ser lançado em 2018.

      Será um álbum de “canções de amor com distorção, lo-fi postpunk e shoegaze cru. Escolha a descrição que você gosta, pegue tudo ou crie a sua própria! " Mas o que nos importamos e temos certeza sobre isso será aquele tipo de shoegaze abrasivo, visceral, alucinante e barulhento pelo qual John Fedowitz  é conhecido e de que gostamos muito.

Skywave - Synthstatic

     Pelo menos o Skywave é honesto. Basta dar uma olhada superficial no último álbum do trio, Synthstatic, e sua arte alucinógena rosa e azul, para inferir como sua música soa e de onde eles obtêm riffs simples e poderosos. Como muitas das melhores bandas de rock de hoje, Skywave dificilmente tem um toque original. Mas quem ouve The Strokes por sua inventividade ou risco está perdendo o ponto. O Synthstatic agradece a duas bandas em particular - My Bloody Valentine e The Jesus & Mary Chain - e o Skywave não tem medo de roubar riffs e técnicas de livros didáticos de nenhum dos grupos. As 14 músicas aqui são descaradamente e muitas vezes irresistivelmente derivadas.

     Claro, o que falta em originalidade ao Synthstatic é compensado pela formidabilidade das composições: Paul Baker (guitarras), Oliver Ackerman (baixo) e John Fedowitz (bateria) são compositores igualmente hábeis que conseguem manter a consistência estilística ao longo deste álbum. Mesmo as guitarras mais ásperas e ásperas em "Wear This Dress" falham em suprimir uma melodia irreprimível que lembra The Wedding Present e, curiosamente, deve mais ao pop do que ao shoegaze. "Nothing Left to Say", a faixa mais longa do Synthstatic, relaxa após uma repetição trêmula de guitarras desafinadas para entregar o momento mais comovente do álbum, com momentos suficientes de beleza não mitigada para sustentar seus seis minutos. A faixa de abertura "Tsunami", por sua vez, faz jus ao título com paredes monstruosas de guitarras desbotadas e bateria motriz semelhante a uma máquina.

     Devidamente impressionante é a magnitude do som do Skywave. Em shows ao vivo, a banda é conhecida por checar o som na metade do volume, e então aumentar tudo na hora da apresentação e pega de surpresa os desavisados. O baixista Oliver Ackerman projeta seus próprios pedais de efeitos, incluindo o Supersonic Fuzz Gun e uma série chamada Total Sonic Annihilations, que a Skywave emprega para ajudar a alcançar seu som massivo. Synthstatic é similarmente experimental em seu tratamento delicado de ruído extremo, e sua dinâmica oscilante de alto volume até soa potente em alto-falantes de laptop.

     Nem que seja pelo seu formalismo, é impossível chamar Synthstatic de um grande álbum. Bandas que seguem fórmulas semelhantes em gêneros diferentes podem ser ridicularizadas, e a Skywave, sem dúvida, suportará sua própria cota de escárnio. Mas algumas formas, devido a um aperto ocasional dos parafusos, nunca parecem envelhecer. Se tivesse sido lançado 15 anos atrás, uma obra desse calibre de composição provavelmente teria sido aclamada de forma selvagem. Do jeito que está, Synthstatic carece de qualquer resquício de originalidade, mas é provavelmente o melhor de todos os resultados finais possíveis de um monumento construído completamente com material de sucata, uma "oficina de ferro-velho" que, como qualquer tributo de sucesso, reforça o significado de seu antepassados ​​ao mesmo tempo em que consegue se manter firme e atual.