Troquei Spotify por Vinil e Mudou Minha Vida

Eu escuto música todos os dias – é uma das minhas coisas favoritas na vida. Também comprei meu primeiro toca-discos há alguns meses e me perguntei como seria ouvir apenas vinil por uma semana inteira. Então, recentemente, eu fiz exatamente isso e tenho muitos pensamentos sobre a experiência.

Minha história com a música é para toda a vida. Desde que me lembro, sempre tive algum meio de ouvi-lo ao alcance do braço. Cheguei até a carregar descaradamente uma daquelas pastas ridículas cheias de CDs. Fiquei emocionado quando finalmente pude atualizar para um iPod, e tenho certeza de que chorei de alegria quando os serviços de streaming de música foram anunciados pela primeira vez.

Mas como passei cada vez mais tempo com o Spotify (e, eventualmente, SiriusXM, Tidal e YouTube Premium), acho que lentamente comecei a dar valor à música. Acabou se tornando um ruído de fundo para mim, como um acessório que eu nunca mais tinha prestado atenção. Eu estava pensando sobre tudo isso recentemente, e percebi o quão desesperado eu estava para fazer algo sobre isso e me reconectar com a música.

Além de tudo isso, eu estava me sentindo cada vez mais culpada por não usar o toca-discos que comprei alguns meses atrás. Eu realmente não tinha dado uma chance justa ainda e eu senti que estava apenas sentado lá, me julgando por comprá-lo e depois despejá-lo em um canto empoeirado. Eu estava interessado no meu toca-discos, juro, mas não sabia como usá-lo e acho que estava usando isso como desculpa para ficar com a conveniência do Spotify, mesmo não prestando muita atenção nisso também .

Então resolvi parar de enrolar. Eu sentava e aprendia a usar meu toca-discos e via o que ele tinha a oferecer. Na verdade, eu daria um passo adiante – mergulharia nessa experiência e consumiria minha música apenas em vinil por uma semana. E depois de pensar mais, percebi que estava realmente incrivelmente curioso para aprender mais sobre o vinil e comparar suas formas analógicas com a conveniência que os serviços modernos de streaming de música oferecem.

E estou genuinamente feliz por ter feito isso. Veja como foi a experiência:

Antes que a semana começasse oficialmente, imaginei que teria estabelecido algumas regras básicas para tornar o experimento um pouco mais legítimo (bem, pelo menos para mim). Primeiro, obviamente, era que eu não podia ouvir nenhuma música digital, inclusive quando estava no carro. Em seguida, se eu quisesse um novo álbum para ouvir, eu só podia comprar um disco em uma loja física. Eu poderia ir quantas vezes eu quisesse, mas simplesmente não podia comprar vinil online e dar um tapa na entrega apressada para o carrinho.

Falando em discos, eu não tinha muitos. Eu comprei alguns quando ganhei meu toca-discos , mas se eu fosse sobreviver uma semana inteira com isso como minha única entrada de áudio, eu precisava comprar mais antes do início da semana. Não perdi tempo indo para a maior loja de discos da minha região, mas foi aí que minha experiência tomou um rumo inesperado.

Escavação de caixotes na loja de discos

Eu só pretendia entrar e sair da minha loja de discos local. Passe de 10 a 15 minutos procurando casualmente três ou quatro dos meus álbuns favoritos em uma variedade de gêneros e depois saia para almoçar.

Não foi isso que aconteceu.

Fui imediatamente absorvido pela experiência. Era como olhar CDs em uma loja de música quando eu era adolescente, mas ainda mais emocionante de alguma forma. Antes que eu percebesse, mais de uma hora e meia havia se passado e eu ressurgi para o ar com 11 discos na mão que só tinham que fazer parte da minha coleção de vinis, muito em detrimento da minha conta bancária. Ultimamente tenho gostado muito do synthpop dos anos 80, então, naturalmente, peguei alguns álbuns de nomes como The Cure, Pet Shop Boys e Depeche Mode, entre outros.

Eu não podia acreditar o quanto me diverti olhando caixa após caixa de discos. Foi muito gratificante estar em uma sala com meus colegas amantes da música e ver quais álbuns chamaram a atenção deles. Também foi uma experiência visceral, tocar os discos, olhar para a capa de cada álbum, cheirar as capas velhas e caixas de papelão, e ouvir os álbuns sendo tocados por cima. Além disso, apenas pensar em álbuns como um conceito completo novamente em vez de músicas individuais, e realmente ter que estar atento à música que eu escolhi foi simplesmente delicioso. Os serviços de streaming de música como um todo tiraram essa experiência de nós, e isso é muito triste.

Comprar vinil foi uma experiência verdadeiramente (e inesperadamente) especial. Esqueci o quanto eu adorava passar tempo em lojas de música, e não posso acreditar que desisti tão prontamente dessa experiência há tantos anos por causa do streaming de música. Agora eu estava mais animado do que nunca para a semana de aventuras de música analógica que estava diante de mim.

E então começa …

Agora eu estava em casa da loja de discos, mais rico em música e espírito, mas mais pobre financeiramente. Eu aprendi como usar corretamente um toca-discos, peguei meus fones de ouvido Sony WF-1000XM4 (eu moro em um apartamento e não quero reclamações de barulho) e decidi começar imediatamente.

Comecei a semana com um dos meus favoritos – Please by Pet Shop Boys – e foi amor à primeira vez. Ouvi-lo em vinil foi como ouvi-lo pela primeira vez, exatamente como a banda pretendia. Não houve perda ou compressão de dados, e pude ouvir muitos outros detalhes, notas e instrumentos. Parecia lindo - eu realmente chorei um pouco!

Por que eu estava perdendo meu tempo com o Spotify e coisas do tipo quando o vinil soa tão bem? Sim, assino o plano Hi-Fi da Tidal e aproveito sua qualidade de som de alta fidelidade sem perdas, mas o vinil oferece muito mais. Soa limpo, quente e puro, como se eu estivesse bem ali no estúdio de gravação. Soou tão diferente, muito melhor, e não fez nada menos que explodir minha mente.

Eu não podia acreditar o quanto me diverti olhando caixa após caixa de discos. Foi muito gratificante estar em uma sala com meus colegas amantes da música e ver quais álbuns chamaram a atenção deles. Também foi uma experiência visceral, tocar os discos, olhar para a capa de cada álbum, cheirar as capas velhas e caixas de papelão, e ouvir os álbuns sendo tocados por cima. Além disso, apenas pensar em álbuns como um conceito completo novamente em vez de músicas individuais, e realmente ter que estar atento à música que eu escolhi foi simplesmente delicioso. Os serviços de streaming de música como um todo tiraram essa experiência de nós, e isso é muito triste.

Comprar vinil foi uma experiência verdadeiramente (e inesperadamente) especial. Esqueci o quanto eu adorava passar tempo em lojas de música, e não posso acreditar que desisti tão prontamente dessa experiência há tantos anos por causa do streaming de música. Agora eu estava mais animado do que nunca para a semana de aventuras de música analógica que estava diante de mim.

E então começa …

Agora eu estava em casa da loja de discos, mais rico em música e espírito, mas mais pobre financeiramente. Eu aprendi como usar corretamente um toca-discos, peguei meus fones de ouvido Sony WF-1000XM4 (eu moro em um apartamento e não quero reclamações de barulho) e decidi começar imediatamente.

Comecei a semana com um dos meus favoritos – Please by Pet Shop Boys – e foi amor à primeira vez. Ouvi-lo em vinil foi como ouvi-lo pela primeira vez, exatamente como a banda pretendia. Não houve perda ou compressão de dados, e pude ouvir muitos outros detalhes, notas e instrumentos. Parecia lindo - eu realmente chorei um pouco!

Por que eu estava perdendo meu tempo com o Spotify e coisas do tipo quando o vinil soa tão bem? Sim, assino o plano Hi-Fi da Tidal e aproveito sua qualidade de som de alta fidelidade sem perdas, mas o vinil oferece muito mais. Soa limpo, quente e puro, como se eu estivesse bem ali no estúdio de gravação. Soou tão diferente, muito melhor, e não fez nada menos que explodir minha mente.

Duas horas depois, eu estava diante do meu toca-discos, tendo uma séria conversa franca comigo mesma. Era assim que a música deveria soar? Ou foi tudo um sonho febril? Toquei mais três álbuns distintos depois disso só para ter certeza de que não foi uma experiência por acaso - Revolver dos Beatles, Giant Steps de John Coltrane e London Calling do The Clash. Certamente, maravilhosamente, não era.

Ah, que semana!

Com o passar dos dias, foi interessante ver as pequenas maneiras em que minha vida se ajustou por causa do vinil. Aprendi rapidamente os muitos prós e contras do meio, especialmente em comparação com suas alternativas de streaming. Também descobri que há um fluxo diferente na vida quando você ouve música dessa maneira.

Algumas das desvantagens mais notáveis ​​foram que era logisticamente difícil ouvir vinil enquanto tomava banho (pelo menos com minha limitação de fones de ouvido). Eu também desisti rapidamente de tentar ouvi-los enquanto treinava; parar no meio da corrida ou no meio do set para virar um disco para o outro lado ou trocá-lo por um diferente era uma dor total que sugava o tempo e eu não conseguia ver uma maneira de contornar isso. Isso foi meio chato, já que música e exercícios andam juntos como manteiga de amendoim e geleia.

Além disso, as limitações físicas do vinil significavam que, se eu quisesse ouvir música enquanto estivesse no trabalho, precisaria me levantar a cada 20 ou 30 minutos para virar ou trocar o disco. Eu não poderia (facilmente) embaralhar um álbum, repetir uma música ou pular faixas que eu não gosto. Isso tornava mais do que um pouco difícil permanecer em um fluxo de trabalho e na tarefa, e eu teria que viver sem esses luxos simples por uma semana.

Parecia que, já que eu tinha feito todo o esforço de colocar um disco, eu deveria apenas sentar lá e prestar atenção nele; caso contrário, não valia o meu tempo. Não era como usar o Spotify, que me permitiria simplesmente abri-lo, tocar em algo e meio que sintonizar por horas a fio. Nos primeiros dias, eu realmente lutei com isso. No final da semana, porém, eu tinha me ajustado e fui mais ou menos capaz de encontrar meu ritmo com isso e permanecer no meu fluxo de trabalho.

Uma vez que pude dar minha atenção total ao vinil à noite, no entanto, a experiência beirava o divino. Eu regularmente me vi fazendo um evento inteiro ouvindo música. Eu não estava mais colocando música e imediatamente fazendo outra coisa adicional, como jogar videogame, navegar nas mídias sociais, trabalhar ou vagar pela casa. Eu estava apenas sentado e ouvindo, totalmente envolvido na música. Caramba, eu até gostava de limpar meus discos enquanto os usava.

Pela primeira vez na minha vida adulta, senti-me encorajado a ouvir um álbum inteiro de uma só vez. Isso é algo que eu não fazia desde que era adolescente, quando não tinha nada melhor para fazer. Em vez de escolher músicas ou ouvir as playlists atrozes que a maioria dos serviços de streaming oferece, ouvi dezenas de álbuns completos, música por música, e aproveitei as vibrações e mensagens que cada artista criou meticulosamente. A experiência foi muito mais envolvente do que tocar na tela de um smartphone. Quando decidimos que isso não era suficiente para nós?

Adorei toda a experiência do início ao fim. Tomando o tempo para dirigir até uma loja física, folheando sua coleção de vinil (e a minha, nos dias seguintes), colocando o disco no toca-discos e soltando a agulha na ranhura. Toda a experiência tornou-se sagrada para mim.

Sobre a conveniência de streaming de música

O vinil não é tão conveniente quanto os serviços de streaming de música, mas isso não é uma coisa ruim. Acho que fomos condicionados a acreditar que conveniência é tudo, mas se aprendi alguma coisa esta semana, é que realmente não é.

Claro, os serviços de streaming de música colocam milhões de músicas ao nosso alcance sempre que queremos ouvi-las, junto com listas de reprodução e recomendações alimentadas por algoritmos inteligentes. Mas, realmente, acho que faz todo o processo parecer mercantilizado. Ele tira a magia de tudo.

O que torna o vinil tão bom é que você é forçado a aceitá-lo como ele é, e o que ele pede em troca. Nem tudo está ao seu alcance. Não há botões de pausa ou avanço rápido ou aleatório ou compartilhamento aqui, nem há opção de adicionar uma música a alguma lista de reprodução aleatória com um nome espirituoso. E certamente não há nenhuma besteira ridícula de final de ano “aqui está a música que você ouviu este ano”. É só você e a música, baby, e há algo tão refrescantemente puro e maravilhoso nisso.

Pensamentos finais

À medida que o fim da minha experiência de uma semana se aproximava, eu me sentia cada vez menos empolgado em recuperar o acesso aos meus serviços de música digital. Inicialmente, me senti triste e até um pouco ansiosa por passar uma semana sem minhas playlists e as outras conveniências Spotify et al. me conceda. Mas depois de me afastar deles por alguns dias, comecei a perceber que aqueles não eram tão importantes para mim quanto eu pensava. Acontece que não me importo com minhas listas de reprodução ou algoritmos - apenas gosto de música.

E durante aquela semana inesperadamente mágica, aprendi a ouvi-la novamente. Fui reintroduzido ao conceito de um álbum de música e descobri que vale a pena cada minuto da minha vida apenas sentar e ouvir a música que eu afirmo amar tanto. Sim, eu sei que você pode fazer a mesma coisa em um serviço de streaming, mas se você já ouviu um álbum em vinil ou qualquer outro meio físico, sabe que é uma experiência totalmente diferente. É inquestionavelmente melhor.

Agora que o experimento de uma semana acabou, estou feliz em ouvir música em vinil e meus serviços de streaming todos os dias. Acho que há um lugar para ambos na minha vida, dependendo do que estou fazendo. Permaneço digital quando estou me exercitando ou em movimento, mas ficarei feliz em passar uma noite ouvindo vinil depois do trabalho. No geral, sinto que estou muito mais atento agora com a forma como ouço música e o que ouço.

O vinil me fez ser consciente e intencional, características que a tecnologia moderna tem uma maneira de expulsar de nossas vidas de vez em quando. E com o quão bom isso soa, isso me faz pensar por que estamos nos preocupando com serviços de streaming de música para começar.

SUZANNE HUMPHRIES

Ringo Deathstarr

    

   Pode não parecer, mas Ringo Deathstarr já existe há muito, muito tempo. Formados em 2007, eles começaram como clássicos revivalistas do shoegaze (uma tendência que já era galopante em certas cenas underground no início daquela década) e permaneceram juntos por tempo suficiente para ver a música indie adotar o som de forma tão completa que catapultou o Slowdive para um retorno surpreendente na carreira. O problema comum com o shoegaze é que é um estilo fácil de executar, mas difícil de tornar único, que é o que a banda de Austin tem tentado fazer na última década. Os resultados falam por si "Color Trip" de 2011 e seu sucessor "Mauve" forneceram uma solução provisória decente entre discos remasterizados  como Loveless do MBV. Mas 'A Pure Mood', de 2015, começou o processamento de esculpir uma identidade única, uma que parecia uma evolução daquela estética clássica em vez de repetir seus sucessos.

   Agora, no início de uma nova década, a banda está de volta com outro desenvolvimento sutil de seu som. Fiel à natureza dos álbuns autointitulados, Ringo Deathstarr condensa tudo de especial sobre os fornecedores de shoegaze em um pacote completo, mas também parece um olhar autoconsciente de onde vieram desde então. Pode não suportar o golpe visceral de seu material anterior, mas parece mais esotérico, mais aberto a outras influências. A parede de ruído que esperávamos se abriu em uma câmara, como evidenciado na faixa anterior "God Help the One's You Love", que é espaçosa o suficiente para trazer o termo "cinematográfico" à mente. Esses tributos a Kevin Shields ainda estão aqui, como "Once Upon a Freak" e a sabidamente intitulado "Gazin", mas como sempre são feitos com dignidade, com uma compreensão demonstrável do que exatamente faz aquele estilo de música funcionar . Há momentos em que o album pode ser um pouco difícil demais para o território da identidade, como “In Your Arms" ( um outtake de Soulvlaki ) ou a faixa “Lazy Lane” de Jesus and Ringo Chain, mas, mais de uma década depois, o pastiche óbvio tornou-se parte do charme da banda.

   Mais importante, há território novo suficiente coberto no registro para constituir uma curiosa sensação de descoberta. A abertura ambiental “Nagoya” é austera e pastoral; “The Same Again”, com sua parte de bateria polirrítmica no verso, se projeta em ângulos imprevisíveis emocionantes; “Be Love” também é estelar, alternando entre um calor do tipo “Soon” e um frio discordante e distorcido. Apesar da familiaridade dos estilos presentes aqui, eles são apresentados com um olhar de curador para variedade e ritmo. Claro, tudo é melhorado pela excelente produção, que revela novos ângulos para o ataque da banda, mantendo sua confusão não filtrada.

   A parte mais difícil de manter uma "banda de revival" viva é lutar por uma identidade que o diferencie das iconografias auditivas que você busca reviver, e o fato de Ringo Deathstarr ter sobrevivido por tanto tempo significa o que eles fizeram para se diferenciar seus pares. Sua devoção ao shoegaze clássico é respeitável, mas são os pequenos toques que eles adicionaram à sua abordagem e sua vontade confiante de abraçar o óbvio por perseguir um sentimento, que os tornam algo especial. Afinal, esse sempre foi o objetivo final do shoegaze: o que quer que aconteça, o resultado é um sentimento indefinível que ignora a lógica e atinge o coração. Para tanto, além de ser uma prova de seus anos de trabalho árduo e um resumo de seu som incorporativo, Ringo Deathstarr sem dúvida, é bem-sucedido.

 Quando My Bloody Valentine estava em um hiato indefinido no lapso aparentemente interminável entre Loveless e MBV, de 2013 , eu verificava o site do My Bloody Valentine toda semana para notícias de um retorno. Isso durou uma década inteira antes de sua reunião, em 2008. Se você me dissesse, durante aquela década quando meu fascínio pelo shoegaze estava no auge, que havia um monte de faixas do My Bloody Valentine que eu nunca tinha ouvido, teria ficado muito feliz. Isso foi antes do renascimento do shoegaze , tenha em mente, quando o movimento recomeçou, com bandas como A Place To Bury Strangers, começou surgir coisas interessantes com o gênero novamente. Naquela época, estávamos procurando desesperadamente por restos, explorando sons não ouvidos e bandas pouco apreciadas. Nós tentamos nos convencer a gostar de Moose enquanto repetíamos tristemente nossos discos do Swirlies .

   Os fãs de música de gênero não precisam que a roda seja reinventada a cada álbum. Um metaleiro costuma escutar algo que soe semelhante a algo que já ouvira antes. Às vezes, você só quer gravar um álbum de stoner metal doce e bater a cabeça. Às vezes, você só quer ouvir algum ritmo frenético e ter seu cérebro girando.

   Ao trabalhar com um subgênero específico, as bandas geralmente precisam encontrar o ponto ideal entre inovação e tradição. Com o shoegaze , por exemplo, você provavelmente pode esperar que um álbum pelo menos leve Loveless em consideração, já que é bastante conhecido como o padrão ouro do shoegaze . As primeiras bandas de shoegaze criaram essencialmente a gramática do gênero, que é então distorcida e transformada em novas formas e histórias atraentes. Ficar muito fora dos sons aceitos do estilo e não é mais shoegaze roots.

   É um longo caminho para dizer que você provavelmente já ouviu algo como o álbum homônimo de Ringo Deathstarr. Há uma qualidade peculiar de deja vu, como se você estivesse ouvindo alguns outtakes perdidos de Cocteau Twins ou b-sides perdidos de My Bloody Valentine. Se você é fã do shoegaze, é provável que seja motivo de comemoração.

  Ringo Deathstarr agradece aos clássicos do shoegaze desde o início, pegando o vocabulário de guitarra distorcida, vocais sonhadores, baixo rosnado e bateria vigorosa e tornando-os seus. No novo trabalho, o trio de Austin troca sons shoegaze mais convencionais por algumas influências mais obscuras. Os resultados são notáveis, alguns dos sons shoegaze mais frescos e revigorantes que ouvimos em alguns anos.

  Pure Mood, de 2015, prometeu fidelidade a sons shoegaze mais comerciais, mais particularmente a produção de Alan Moulder para The Smashing Pumpkins . Pure Mood negociou com o som violento e cru de guitarra do Pumpkins ' Mellon Collie e do Infinite Sadness e, em menor grau, Siamese Dream. Aqui, eles parecem estar extraindo de uma piscina mais obscura, a primeira onda de bandas shoegaze, bem como um conhecimento superficial de algumas de suas influências originais.

   O amor pelos primeiros Cocteau Twins , Lush , Slowdive, Swervedriver e, claro, My Bloody Valentine irradia por Ringo Deathstarr, o disco. Isso se deve em grande parte aos vocais especialmente etéreos de Alex Gehring , intercalados com faixas mais realistas do fundador de Ringo Deathstarr, Elliott Frazier . Os vocais alternados de garota / garoto automaticamente trazem à mente Slowdive e My Bloody Valentine, com uma mistura semelhante de beleza celestial e caos furioso.

   Claro, como costuma acontecer com a arte de gênero em qualquer meio, os anjos estão nos detalhes. O fato de Ringo Deathstarr ser um trio oferece espaço para deixar transparecer o talento de cada músico. A guitarra de Elliott Frazier brilha, rosna, levita, voa. O baixo de Alex Gehring lateja, geme, esmurra. A bateria de Daniel Coborn corta a mixagem enquanto ele percorre cada subdivisão rítmica de uma batida 4/4 que você possa imaginar, desde embaralhar dois passos até breakbeats frenéticos. Com Ringo Deathstarr, nós nos perguntamos se Daniel Coborn pode ser o melhor baterista shoegaze do planeta neste momento.

   Você pode ouvir traços e ecos da primeira onda de influências do shoegaze, também, especialmente o pop psicodélico dos Beatles , com a guitarra de som invertido de "Once Upon A Freak" relembrando o pastoralismo psicodélico de "Rain" dos Beatles.

   Se você estava esperando por um novo clássico do shoegaze, com Ringo Deathstarr, essa espera acabou. Há músicas para dias, repletas de melodias cativantes e agradáveis. Há uma produção requintada, partes iguais de Alan Moulder e Robin Guthrie . Acima de tudo, há algo único e pessoal em Ringo Deathstarr. Como todos que trabalham em um gênero estabelecido, eles pegam o básico de sua forma de arte e transformam-na em algo novo, como um conto de fadas sendo recontado nos tempos modernos.

93MillionMilesFromTheSun – Why Do We Fall Apart

 by Mark Anderson

        O 93MillionMilesFromTheSun (tudo junto), de Doncaster, foram responsáveis ​​por alguns dos sons mais efervescentes dos últimos anos. A estreia autointitulada (2008) e Northern Sky (2011) trouxeram-nos aos nossos ouvidos aqui no DKFM, e temos ficado encantados com as suas explorações sonoras desde então.

    Nick Noble, fundador da banda, agora retorna com sua última criação, Why Do We Fall Apart, seu oitavo álbum completo. Como de costume, Noble escreveu todas as faixas e, com o problema de lockdown e distanciamento, ele também gravou todos os instrumentos e fez toda a mixagem. Isso é uma prova do imenso talento desse cara insanamente humilde.

       Minha irmã da DKFM, Deborah Sexton, entrevistou Noble para o The Velvet Hum Radio Show, que foi ao ar na quinta-feira, 22 de abril, com o lançamento oficial na sexta-feira, 23 de abril. Ela mergulhou na produção do álbum e em todas as coisas da 93MillionMilesFromTheSun. Se você perdeu, logo poderá assisti-lo no Mixcloud na página DKFM Select . É o episódio 38.

Nesse ínterim, vamos clicar no play e iniciar esta resenha.

        O álbum começa com a longa e sensual introdução de “Hold My Breath”. Este é o clássico 93MillionMilesFromTheSun. Os vocais de Noble surfam nas ondas da guitarra e do baixo e da bateria constantes e pulsantes. É uma introdução impressionante e mal posso esperar para ouvir o que vem por aí.

      O enigmaticamente intitulado “All Am Now” abre com um riff de guitarra lamentoso levando a música para um espaço diferente da anterior. Noble tem jeito para refrão. Eu amo como o riff da guitarra principal duplica em uma nota sólida como se estivesse vibrando.

     Seguimos para um território mais sombrio com “Everything Undone”. Este poderia facilmente ter sido retirado de um livro de canções de Robert Smith. Isso é bom. Eu adoro The Cure e ouvir aquelas mudanças de acordes e tons de guitarra usados ​​com tanta habilidade me deixou feliz. Noble pega e torna seu. Simplesmente deslumbrante.

      Em contraste, o instrumental “Window Ledge” tem uma sensação de verão, leve e arejada. A linda guitarra glide sobreposta eleva o ouvinte a um estado de euforia. Você quase pode sentir o sol em seu rosto enquanto absorve seus sons texturizados. É uma bem-aventurança.

     Os ecos misteriosos do feedback nos levam ao ritmo de "The View From Woodhead". Esta é uma música para um grande palco. Noble aproveita o som Oxford para este errante. A influência de Ride está presente no estilo vocal e na guitarra base, e ele contrasta isso com uma guitarra solo no estilo Guthrie, mudando o tom da música, tornando-a 100% 93MillionMilesFromTheSun.

        “How I Feel” é a faixa mais vocal do álbum até agora. Levando as coisas em um ritmo mais calmo, Noble soa como um homem desnudando sua alma. A música se move como um navio na névoa, lenta e deliberada. A parte acústica é um toque adorável e inesperado também.

          Em “If You Wonder” eu pego a influência de Boo Radleys até chegarmos ao refrão. Isso tudo é nobre. É viciante e leva a música a outro nível. Ele tem o dom de fazer você pensar que uma música está indo para um lado e depois indo para outro.

         “Now or Yesterday” utiliza a mesma energia que alimenta “The View From Woodhead”. Sua natureza épica é avassaladora e consumidora. Você se derrete em ondas após a bondade sônica vinda dos alto-falantes. Eu me perdi por toda a duração de seis minutos. É escuro, sonhador e devastador.

       Em seguida, somos levados diretamente para o refrão de minha faixa favorita: "I'll Never know". O riff repetido prende você e prende sua atenção enquanto Noble explora seu amor por Stone Roses. Muito parecido como antes, enquanto a influência está lá, a música é toda dele. Quando ele canta “Aonde você foi, nunca saberei”, eu o desafio a não pular e pular como se estivesse no centro de um show de sua cidade. Que música.

     Como se, para lentamente nos trazer de volta à terra, o instrumental “We Are Left Behind” faz sua mágica. Simultaneamente eufórico e gelado, essa faixa é a maneira perfeita de nos conduzir à música final do álbum.

            O apropriadamente chamado “Everything Goes Wrong In The End” leva o processo a uma conclusão muito cedo. Este é o clássico 93MillionMilesFromTheSun, com guitarras pesadas, riffs e bateria pulsantes. Os vocais de Noble realmente cortam a mistura, tornando-a mais pessoal e de alguma forma, como se ele estivesse nos deixando chegar perto, apenas por um momento.

           O tema do amor, perda e desespero é eminente ao longo desta obra; entretanto, e este é um grande porém, como ouvinte, você não se sente desanimado ou perdido. Na verdade, eu diria que é o pólo oposto.

         Noble criou uma coleção coesa de canções reconfortantes e edificantes, tecendo sua magia habilmente à medida que avança. É um daqueles álbuns que quanto mais você ouve, maior a profundidade e os sons ocultos que você descobre. É uma experiência altamente gratificante que você irá saborear nos próximos anos.

Blankenberg - Radiogaze

 By  David Zeidler

"Radiogaze estabeleceu um recorde em termos de quão rapidamente se esgotou, abrindo caminho para a reimpressão. Não consigo enfatizar o quão importante é um disco para adicionar à coleção de alguém. O futuro parece brilhante para esta banda, que deve ser vista como um guia básico para artistas shoegaze em todos os lugares."

        Alguém tem um daqueles gêneros que é, no papel, uma tempestade perfeita de tudo que quer ouvir, mas raramente parece se encaixar da maneira que sonham? Isso é shoegaze para mim. Essa mistura deliciosa de paisagens sonoras pesadas e melodias exuberantes, texturas oníricas e volume esmagador, tem o potencial para ser tão espetacular. Mas muitas vezes sinto que estou perpetuamente perseguindo unicórnios. Uma banda como Deafcult nos abençoou com algumas faixas inspiradoras em seu álbum mais recente, mas muitas vezes o álbum apresenta mudanças gritantes no tom que o deixam mais irregular do que agradavelmente diverso. Bound lançou um ótimo álbum no início deste ano, mas apesar de alguns momentos de brilho, nem sempre é tão atraente quanto claramente é. 

       Nos últimos anos, o único lançamento da Holy Fawn que marcou consistentemente o maior número de faixas foi Radiogaze , o LP de estreia da Blankenberge, de São Petersburgo, Rússia. O único problema era a produção gravemente deficiente no disco - em sua missão de fornecer uma densa parede de som, muitas vezes parecia turvo e cru. Provavelmente foi o álbum recente que eu poderia citar que estava precisando desesperadamente de uma remasterização e, felizmente, para todos nós, Elusive Sound assumiu a bandeira de limpar este lançamento maravilhoso.

       Acompanhando a linda cacofonia de guitarras em várias camadas e o ruído sempre presente da seção rítmica está o ás de Blankenberge, os vocais etéreos e sobrenaturais de Yana Guselnikova. Eles tocam em todas as marcas de shoegaze e dream pop - sussurrantes, mergulhados em reverberação, aparentemente girando dentro e fora das nuvens tempestuosas de ruído, mas onde outros cantores deste gênero muitas vezes ficam aquém, ela tem o poder de emergir com rapidez impressionante e presença angelical. Para um gênero musical que se caracteriza por sua falta de clareza quanto aos vocais, Guselnikova consegue estourar triunfantemente pela parede do som quando o momento dita. 

        As composições transitam sem esforço por meio de influências que vão desde o início exuberante de Joy Division e My Bloody Valentine, ao peso mais recente presente em bandas como Nothing e até The Angelic Process (naqueles momentos em que o barulho atinge o ápice), mas sempre trazendo tudo junto está a voz de Guselnivoka, que ultrapassa em muito o que qualquer uma das bandas citadas acima oferecendo e, podendo, na verdade, o complemento vocal ideal para essa forma musical.

      A remasterização Elusive de Mikhail Kurochkin suaviza o que antes era uma mixagem supercomprimida, enquanto elimina alguns dos graves enlameados e ilumina o som onde era necessário. Ele também reduz a dinâmica para garantir que a instrumentação seja discernível, em vez de uma confusão nebulosa com médios desfocados. A ideia na remasterização era permitir que o fuzz desempenhasse um papel importante como deveria, mas fazer os ajustes certos para dar ao registro o som de uma apresentação ao vivo em um palco expansivo, em vez de um porão apertado. Agora, faixas animadas como "Somewhere Between", "Out Cold" e "We" têm o brilho apropriado de que precisavam desesperadamente, enquanto o material mais pessimista como o encerramento do álbum "Not Enough" e "Hopeless" retém suas qualidades sombrias e esotéricas, enquanto se torna consideravelmente mais audível.

          Já vi ouvintes e colegas citarem uma grande variedade de faixas como suas favoritas do Radiogaze, mas para mim, a peça central do álbum é “Falling Stars”. Eu amo essa música há mais de um ano, mas na semana passada eu fui colocada na posição de ter que me separar de alguém que amo profundamente e por quem me preocupo, e embora eu não diga que tenha um novo significado, como tem sido parte do meu renovado reconhecimento de certas dualidades, tanto em termos de música quanto da própria vida. “Falling Stars” é, em muitos aspectos, o instantâneo mais preciso da estética de Blankenberge. 

         O primeiro empurrão de ruído carrega uma espécie de feiúra proposital, mas escondida atrás dele está uma melodia de guitarra que inicialmente deve ser tocada, mas eventualmente se entrelaça com a penugem em torno dela, formando um vínculo inextricável. Existem muito poucas canções em que consigo pensar que me sinto perpetuamente inclinado a retroceder e reviver sempre que as ouço.The Dear Hunter , “Cygnus” de Cult of Luna e Julie Christmas , “Goliath” de The Mars Volta e “The Pecan Tree” de Deafheaven são faixas que inspiram isso. “Falling Stars” também entrou nessa categoria. Toda a composição funciona em um nível impressionante - a dinâmica suave-alta, a barreira de som esmagadora que tenta envolver os vocais de Guselnikova, a cintilação leva combinando passo a passo com a seção rítmica hipnoticamente cadenciada, mas é aquele refrão que sela tudo juntos. Em vez de recorrer a outra terminologia, vou simplesmente resumir: é perfeita.

         O fato de esse refrão tocar apenas duas vezes é o truque para me trazer de volta uma e outra vez. Se eu fosse deixado por minha própria conta, ele se repetiria mais 10 vezes, mas a restrição para deixar sua marca em ação limitada é um golpe de brilho, pois cria a antecipação do ouvinte e garante sua perpetuidade em rotação regular. É como o canto de uma sereia e uma canção de ninar entrelaçados, o ponto em que todo o potencial de Guselnikova como vocalista se junta e deixa o ouvinte totalmente louco. Eu sou levado pelo menos à beira das lágrimas toda vez que ouço isso, independentemente do meu humor. É o tipo de música que captura em alguns momentos a coexistência de tristeza e esperança, beleza e dor, como não podemos compreender uma sem a outra, como elas nos conduzem em conjunto a novas alturas.

         Outro dia dirigindo ouvindo essa música, meu coração está dilacerado e exausto, as paisagens nevadas ao meu redor pareciam mais nítidas, mas à distância, os picos das montanhas pareciam mais altos do que nunca. Eu sou uma pessoa que não consegue se separar da música; a música me eleva em momentos difíceis, acentua meus momentos de alegria, evoca memórias e me sustenta quando estou me debatendo. Em casos especiais, a música pode me machucar e me curar no mesmo momento. Isso faz com que minhas lágrimas pareçam ter um propósito e me mostra a promessa que ainda está além do horizonte. “Falling Stars” é uma dessas canções. Ele viveu dentro da minha dor de cabeça e da minha felicidade e, portanto, estará para sempre ligado a mim. Poucas bandas têm o poder de criar momentos e conexões como este e Blankenberge merece muito crédito por entrar nesse espaço.

        

A Place To Bury Strangers - Hologram

        

        A Place to Bury Strangers anunciou o Hologram EP, seu primeiro novo álbum em três anos. O EP marca algumas estreias para a banda do Brooklyn. É o primeiro disco feito com a nova formação do APTBS que conta com John Fedowitz (baixo) e Sandra Fedowitz (bateria) da Ceremony East Coast, junto com o bandleader Oliver Ackermann. É um pouco como uma reunião, já que John e Oliver tocaram juntos no grupo Skywave pré-APTBS. Hologram também é o primeiro lançamento do APTBS para o novo selo Dedstrange de Ackermann.

         O primeiro single de Hologram é "End of the Night", que é um som um pouco novo para a banda. Ainda há muitas guitarras barulhentas, mas o ritmo, a batida funky da bateria e a produção são um território desconhecido. “'End Of The Night' é a primeira faixa escrita em colaboração com um dos novos membros da banda", disse Ollie. "John me enviou a faixa de bateria e me desafiou a escrever uma música sobre ela. Isso meio que surgiu como um estranho fluxo de consciência e, sem saber, tornou-se sobre o fim da banda anterior e o início de uma nova. Cada camada da música retirando a pele morta da camada velha e regenerada e a camada de distorção da nova banda. É ótimo trabalhar novamente com John Fedowitz."

       "Eu sinto que nossos estilos de composição dispararam em direções diferentes de nossa banda anterior, Skywave, apenas para voltar com experiências diferentes para criar algo especial novamente."

O shoegaze na perspectiva de Peter Kember

      Cada gênero musical tem duas coisas em comum: não há duas pessoas que concordem sobre seus limites precisos e artistas não gostam de ser rotulados. Com o Shoegaze não é diferente. É um gênero particularmente incomum porque seu nome não descreve um som nem uma conexão com a história da música. Essa música é, acima de tudo, um lugar para explorar os limites externos de textura das guitarras. E emocionalmente, o shoegaze volta seu foco para dentro. O ruído extremo elimina a possibilidade de socialização enquanto a música está tocando, deixando cada membro da plateia sozinho com seus pensamentos. É música para sonhar.

       Para nossos propósitos, escolhemos como ponto de partida para o shoegaze os anos seguintes ao lançamento do marco histórico de Jesus and Mary Chain , Psychocandy , quando as muitas bandas influenciadas por sua abordagem da guitarra integraram o ruído em novos contextos pop. A partir daí, nossa história do shoegaze se expande, estendendo-se além de sua explosão inicial no início dos anos 90 e incorporando contextos e abordagens mais instrumentais ao estilo ao longo do caminho.

       Oferecendo outra perspectiva sobre o que tudo isso significa, Pete Kember, cuja banda inicial Spacemen 3 exerceu uma grande influência nos discos que se seguiram, escreveu...

ONDE VOCÊ ESTAVA EM '91? 

 

       Se você tivesse me dito em 1991 que, 25 anos depois, eu estaria escrevendo sobr shoegaze, provavelmente teria dito que isso nunca aconteceria. Mas as coisas mudam; mesmo em 1993, eu estava corrigindo meus pontos de vista. Eu fiz um show naquele ano em LA no Viper Room de Johnny Depp. A banda de suporte, para meu completo espanto, era uma banda shoegaze - uma banda shoegaze mexicana. A ideia de que essa música pudesse atravessar culturas com faixas tão amplas nunca havia me ocorrido antes, mas agora eu podia ver que esse gênero poderia ter sobrevida, entre aquele olhar e aqueles sapatos.

        Voltando ainda mais, minha memória do hacker britânico que primeiro cunhou o termo “shoegaze” era que ele estava sendo depreciativo. Foi uma crítica, sem dúvida. E quando o apelido de shoegazer não parecia irritar o suficiente, os mesmos caçoadores começaram a se referir a essas bandas como “a cena que se festeja”, aparentemente baseados no fato de que essas bandas curtiam a música umas das outras. O engraçado é que, como a maioria dessas invenções de tag de gênero da mídia, como “punk” ou “grunge”, o termo “shoegaze” pegou - e, aparentemente, pegou forte.

          Quem colocou a sola no shoegaze? As bandas de shoegaze buscavam apenas inspiração em sua camurça? Eu acho que não. A longa franja e a febre dos pedais da época tornavam quase impossível localizar qualquer mira para baixo e, embora não esteja dizendo que essas bandas não tinham os calçados mais modernos, acho que o que estava por baixo delas era a chave: o pedais. Tem muito a ver com os pedais. Efeitos que poderiam pegar a guitarra mais dócil e fazê-la rugir como um porteiro com esteróides , ou voar como aviões a jato em uma exibição de acrobacias. Criando sons que você realmente pode sentir e cheirar 

         Então, enquanto olhamos para trás, vamos discutir as raízes. O Spacemen 3 às vezes são chamados de “padrinhos do shoegaze”, e isso pode ser verdade em uma pequena parte; Posso não ser o melhor juiz disso. Mas, pela minha moeda, era My Bloody Valentine que continha o DNA alfa.

         O Spacemen 3 foram convidados a apoiar os Pixies em sua primeira grande turnê no Reino Unido no outono de 1988. Não queríamos. A MBV, no entanto, sim, e eu fui ver seu show e oferecer solidariedade em um dos buracos negros locais, o estranhamente chamado Roadmenders Centre, em Northampton. Claro, eu já os tinha visto em shows que tocamos juntos, mas algo mudou. Todo o set list foi épico, sem falhas, mas uma música se destacou em particular: uma viagem de guitarra distorcida e cambaleante que parecia englobar a quintessência da psicodelia de ondas pulsantes. Construindo loops elípticos de vocais, baixo, bateria e guitarra.

         Aparecendo em crescente e profanos, então, devastadoramente arrebatando o ouvinte. Evapora em uma névoa de calor sedoso para se rematerializar novamente fora da efervescência, mais forte e mais fascinante a cada vez. Essa música era “You Made Me Realize”. E assim nasceu um gênero.

       Quais são os outros acordes? A cultura no início dos anos 90 entrou no tipo de overdrive elástico que tende a fazer uma vez a cada duas décadas. Períodos especiais de energias e interesses superestimulados e o papel da recém-emergente droga ecstasy não devem ser subestimados.

       Mas o tempo é percepção, e a percepção era a chave para esses tempos e para essa música. Na verdade, o que gerou o shoegaze não importa uma fração tanto quanto os registros feitos naquele período. Algumas dessas bandas tiveram um sucesso considerável - Mercury Rev s, My Bloody Valentines e Brian Jonestown s - enquanto outras desapareceram em um flash cósmico, mas deixaram gravações estelares que serão apreciadas por eras. Bandas que fizeram discos que as pessoas nunca pararam de puxar das prateleiras, algumas delas nesta lista.

Acho que é justo dizer que o início dos anos 90 ficou fluorescente como o néon. E às vezes,  o shoegaze também.

Pete Kember é músico, produtor e membro fundador do Spacemen 3.

Slowdive lança seu primeiro álbum em 22 anos e o eterno retorno do shoegaze

 

     Até recentemente, parecia improvável que algum dia haveria um quarto disco do Slowdive. Apenas uma semana após o lançamento do terceiro álbum Pygmalion, em fevereiro de 1995, o quinteto britânico foi retirado da Creation Records e efetivamente se separou. A saída drástica de Pigmalion do pop de sonho havia causado a dissolução de várias maneiras. O baterista Simon Scott deixou o Slowdive no ano anterior, sentindo-se desiludido com as baterias eletrônicas, computadores e loops que o guitarrista e vocalista Neil Halstead usou para fazer o álbum, em grande parte por conta própria. Mas essa direção também atraiu zombarias da imprensa musical britânica, que naquele momento parecia mais contente em dançar para o Britpop do que balançar para shoegaze. “Ainda mais suicídio profissional”, foi como o NME descreveu Pigmalion .

     O “ainda mais” é crucial aqui. Por mais amados que Slowdive se tornaram entre uma geração mais jovem de ouvintes subterrâneos, seus dois primeiros álbuns - Just for a Day de 1991 e Souvlaki de 1993 - não os tornaram queridinhos da crítica como os colegas de selo da Creation, My Bloody Valentine . Mas então o shoegaze e o dream-pop experimentaram um renascimento inesperado no final dos anos 2000, quando bandas como Beach House e M83 começaram e o MBV finalmente voltou à estrada. Com isso, veio uma nova apreciação pelo Slowdive. Em 2014, a demanda por sua reunião era alta o suficiente para suportar uma turnê mundial de cinco meses e uma série de apresentações em festivais - e no dia 5 de maio, um novo álbum via Dead Oceans. Embora já tenham se passado mais de duas décadas desde que o grupo se envolveu com os pedais de delay no estúdio, as guitarras rodopiantes, harmonias confusas e refrões crescentes de Slowdive  fazem com que pareça a irmã há muito perdida de Souvlaki .

     Pitchfork falou com Halstead sobre por que Slowdive decidiu voltar, o que cimentou o legado do shoegaze e como os discos ainda deveriam exigir um ritual de escuta.

Você ficou surpreso com a recepção calorosa aos seus shows de reunião?

Neil Halstead: Fomos pegos completamente desprevenidos! As pessoas nos disseram: “Vocês deveriam voltar, vocês ficariam surpresos”. E nós estávamos. Também ficamos surpresos ao ver que o público era uma geração mais jovem, o que foi brilhante. Foi encorajador ver que os discos ressoaram não apenas entre as pessoas de nossa idade.

Por que você acha que o shoegaze ficou por aí?

Neil Halstead: Em parte porque as bandas nunca foram grandes bandas - elas sempre foram essas pequenas bandas fazendo música underground e então veio o Britpop. Na Inglaterra, isso abriu o mundo indie para o mundo mainstream. Mas o shoegaze nunca se tornou parte da grande indústria da música. Então, talvez estivesse maduro para ser redescoberto, da mesma forma que quando aquelas coleções de rock de garagem e psicológico - reeditadas nos anos 80, elas se tornaram realmente influentes. Você nunca ouviu seus pais tocando aqueles discos - eles nunca foram música mainstream. Mas eles eram bandas brilhantes que ganharam uma segunda mordida depois de serem relançados. Talvez a internet tenha tido um impacto muito bom no shoegaze porque agora dá aos jovens a chance de conferir.

Slowdive - Souvlaki 1993

     O segundo álbum do Slowdive foi marcado por mais do que sua cota de infortúnios, tanto na criação quanto na recepção. A banda abandonou seu lote original de sessões para começar de novo, e o álbum estreou em meados de 1993, o exato momento da firme reação da imprensa britânica contra qualquer coisa shoegaze. Além disso, houve um tratamento ruim por parte da gravadora americana do grupo, incluindo um lançamento muito atrasado. Mas à distância, Souvlaki  pode ser visto e ouvido claramente pelo que é: o raro esforço do segundo disco que não apenas mantém a qualidade de uma grande estreia, mas também evita simplesmente repetir seu som. Os vocais evanescentes de Just for a Day  dão lugar a uma nova clareza em Neil Halstead e Rachel Goswell. Da mesma forma, sua impressionante mistura de feedback e textura serve para arranjos mais diretos em músicas como "40 Days" e a majestosa "When the Sun Hits". “Souvlaki Space Station” encontra uma maneira de trazer o barulho e wooze do dub, enquanto “Dagger” conclui o álbum em uma intensidade silenciosa como Lee Hazlewood . Tudo isso, mais não uma, mas duas colaborações com Brian Eno . –Ned Raggett